Giosetta Fioroni (Roma, 24 dicembre 1932 – Roma, 14 giugno 2024) è stata una delle artiste più significative della scena italiana del secondo Novecento, tra le principali protagoniste della Scuola di Piazza del Popolo, la corrente romana vicina alla Pop Art.

Figlia d’arte – il padre scultore e la madre pittrice – si forma all’Accademia di Belle Arti di Roma sotto la guida di Toti Scialoja. Dopo un primo periodo legato all’Informale, negli anni Sessanta elabora il suo linguaggio più riconoscibile: le “argenti”, immagini su fondi metallici ispirate alla fotografia e alla cultura dei media, in cui riflette su temi come la memoria, l’identità e il femminile.

Damien Hirst (Bristol, 7 giugno 1965) è un artista britannico, tra i più celebri e controversi del panorama contemporaneo internazionale. È conosciuto soprattutto per le sue opere concettuali e provocatorie che esplorano temi come la vita, la morte, la mortalità e il valore dell’arte.

Hirst cresce a Leeds, nel West Yorkshire, e studia arte presso il Goldsmiths College di Londra, dove si laurea nel 1989. Durante gli anni universitari sviluppa il suo approccio distintivo, mescolando materiali non convenzionali e concetti provocatori.

Andres Serrano (New York, 15 agosto 1950) è un artista e fotografo americano riconosciuto a livello internazionale per i suoi lavori che indagano i confini tra sacro e profano, vita e morte, identità e marginalità. Nato da madre afro-cubana e padre honduregno, è cresciuto in una famiglia cattolica, elemento che ha profondamente segnato la sua sensibilità artistica.

Serrano si è imposto all’attenzione del grande pubblico con l’opera “Piss Christ” (1987), una fotografia che ritrae un crocifisso immerso in un liquido corporeo. Il lavoro, accolto da reazioni contrastanti, ha acceso un intenso dibattito internazionale sul rapporto tra arte, religione e libertà di espressione.

Gino De Dominicis (1947-1998) è stato un artista italiano enigmatico e fuori dagli schemi, noto per la sua avversione alle etichette e la sua volontà di sfuggire alle logiche del mercato dell’arte. La sua produzione, che spazia dalla pittura alla scultura, dall’installazione al disegno, è caratterizzata da una forte componente concettuale e da un interesse per il tempo, l’immortalità e il rapporto tra visibile e invisibile.

Esordì negli anni ’60 nel panorama dell’arte contemporanea italiana, distinguendosi per un linguaggio personale e provocatorio, spesso ironico e volutamente criptico. Tra le sue opere più celebri, Seconda soluzione d’immortalità (l’Universo è immobile) (1972), presentata alla Biennale di Venezia, suscitò scalpore per la presenza di un giovane affetto da sindrome di Down, elemento che enfatizzava la sua ricerca sull’alterità e sul senso dell’esistenza. 

Profondamente influenzato dal pensiero filosofico e dalla scienza, De Dominicis esplorò concetti come l’infinito e l’inconoscibile, rifiutando ogni forma di riproduzione e documentazione del proprio lavoro. Raramente concesse interviste e cercò di mantenere il controllo sulla sua immagine pubblica, contribuendo alla creazione di un’aura di mistero attorno alla sua figura.

Fino alla sua scomparsa nel 1998, continuò a sfidare le convenzioni artistiche, lasciando un’eredità indelebile nel panorama dell’arte contemporanea.

Helidon Xhixha, nato a Durazzo in Albania nel 1970, è un maestro della luce e del riflesso, uno scultore contemporaneo che modella l’acciaio per trasformarlo in pura poesia visiva. Figlio d’arte, ha ereditato la passione per la scultura e l’ha sublimata in un linguaggio unico, fatto di superfici specchianti che catturano e ridisegnano il mondo intorno.

Xhixha che ha studiato presso l’Accademia delle Belle Arti di Tirana prima di trasferirsi in Italia dove ha completato la sua formazione presso l’Accademia di Belle Arti di Brera a Milano, ha fatto della luce e dell’acciaio il suo medium, piegando la materia con forza e grazia, creando opere che vivono nel dialogo con lo spazio e con chi le osserva, grazie al loro forte impatto visivo e concettuale.

L’artista ha esposto le sue sculture in importanti contesti internazionali, tra cui la Biennale di Venezia, e ha realizzato opere site-specific in spazi pubblici e privati in tutto il mondo dove le sue creazioni si impongono come portali di meraviglia, specchi liquidi che deformano e amplificano la realtà, invitando lo spettatore a perdersi e a ritrovarsi in un gioco infinito di forme e riflessi.

Sheludckò Alexandr nasce il 13 aprile 1988 a Ternopil, nell’Ucraina occidentale, terra segnata da divisioni culturali e storiche profonde. La sua infanzia è uno spaccato culturale complesso: da un lato, l’eredità materna radicata nell’occidente ucraino, dall’altro, il padre proveniente dalla parte russofona del Paese. Questa doppia appartenenza è sia ricchezza linguistica e culturale, che fonte di conflitti e divisioni che segnano profondamente il suo percorso personale e artistico.

Alexandr è un iperrealista. La sua pittura è esercizio di rigore, di metodo, di costanza e dedizione. Il suo lavoro è disciplina e l’obiettivo è cogliere ogni sfumatura con estrema esattezza. Esercizio tecnico ed emozione convivono in un equilibrio perfetto.

Le figure che Alexandr rappresenta nei suoi quadri sono persone che hanno attraversato la sua vita. In esse si esprimono rarefatte e accennate tracce: la luce illumina i soggetti e li trasforma in stasi e movimento.

Per comprendere il rigore di Alexandr, è necessario capire la sua storia. Nel 1991, l’Ucraina ottiene l’indipendenza dall’Unione Sovietica, e nello stesso anno i suoi genitori si separano. Da quel momento la sua esistenza viene stravolta: la famiglia si sgretola, e Alexandr diventa uno degli “orfani bianchi”, bambini che vedono migrare i propri genitori verso l’Europa, lasciati soli in patria. A 9 anni, si trasferisce a Mosca con la madre, che lavora come educatrice in un orfanotrofio. Qui, vive immerso in un mondo di bambini in transito. Nel 2003, emigra con lei per arrivare in Italia. È qui che, nonostante le difficoltà di una vita nell’anonimato, senza documenti né diritti, Alexandr inizia il suo percorso di artista e uomo, dedicandosi da solo allo studio della lingua, della letteratura italiana, della storia, della filosofia e della musica. Studia il violoncello e il basso.

Gli viene riconosciuta l’immunità umanitaria solo nel 2015, data in cui ottiene i documenti per circolare liberamente, per mostrare un cognome ed esistere come artista.

Roberto Mosella, stilista e artista, progetta e realizza capi
di abbigliamento e accessori puntando su un’idea
futuristica che fonde arte e moda.

Il brand Rovirò è stato ideato da Roberto Mosella, liceo classico, laurea in Giurisprudenza, abilitazione alla professione legale  e avvocato a tutti gli effetti, che spinto dall’esigenza di perseguire la bellezza ha deciso di far prevalere nella sua vita ciò che ama: creare.

Rovirò è un global style del tutto originale, in cui confluisce un mondo rappresentato da opere d’ arte ‘tout-court’, arte applicata alla moda, all’interior design e alla scrittura.

La filosofia che contraddistingue Rorvirò si fonda sull’idea di creare pezzi secondo una propria personale idea di arte contemporanea e, nella realizzazione, rigorosamente secondo i parametri del più autentico Made in ltaly.